Artistas

Agua Bendita nace en los noventa en el barrio de La Trinitat de Barcelona como un grupo de amigos que se juntan para tocar lo que más les gustaba: una mezcla entre punk, ska y reggae. En el 93 sale a la calle la primera maqueta «AGUA BENDITA: ¡Amén!» y en el 94 la segunda con el nombre de ¡Grita Libertad!, ambas en cassette y con las que vendieron más de 18.000 copias. Más tarde y de la mano de Tralla Records verían la luz los siguientes álbumes: Gente que camina en el 96 y África en el 98. Un año después la banda decide disolverse.

Casi 20 años después, Moussa Castro, compositor, cantante y bajista de todos los trabajos de Agua Bendita, decide volver a los escenarios para compartir con el público todos los clásicos de la banda y en especial las canciones de las dos primeras maquetas.

Alcalá Norte es una banda madrileña formada en 2019 en el distrito de Ciudad Lineal por Álvaro Rivas (voz), Jaime Barbosa (batería) y Juan Pablo Juliá (guitarra). Su propuesta parte del post-punk y el rock alternativo, con influencias de The Cure, Burning y otras referencias del rock español y británico de las décadas de 1980 y 1990. Después de publicar un EP y varios sencillos, en 2024 presentó su primer álbum de larga duración, Alcalá Norte, un trabajo en el que conviven guitarras, bajos marcados, sintetizadores y una voz de carácter recitado. Sus letras se mueven entre referencias históricas, personajes, literatura, religión y escenas de la vida cotidiana, con una mezcla de ironía, oscuridad y humor.

El lanzamiento del álbum convirtió a Alcalá Norte en una de las nuevas agrupaciones con mayor presencia en la escena independiente española. Canciones como “La vida cañón” ampliaron su audiencia y los llevaron en 2024 a escenarios como Primavera Sound, Tomavistas y BBK Live, además de una gira de cerca de 40 fechas por España. La banda ha construido su identidad desde su vínculo con Ciudad Lineal y desde una manera particular de recuperar sonidos asociados al rock y al post-punk para escribir sobre el presente. Su crecimiento también ha estado acompañado por reconocimientos de la industria y por una recepción destacada de medios especializados, consolidando un proyecto que combina referencias musicales del pasado con una escritura y una estética propias.

Algiers es una banda originaria de Atlanta, Georgia, que fusiona elementos de post-punk, música industrial, cantos de trabajo (work songs), punk, rap y noise. Han publicado cuatro álbumes aclamados por la crítica bajo el sello Matador Records: Algiers (2015), The Underside of Power (2017), There Is No Year (2020) y Shook (2023). El nombre del grupo rinde homenaje a la histórica película de Gillo Pontecorvo de 1966, La batalla de Argel, así como a la capital argelina —escenario neurálgico de la lucha anticolonial—, simbolizando un territorio en disputa donde conviven la resistencia, el racismo, la violencia y la religión.

Formada en 1993 por estudiantes de la Academia Sibelius de Helsinki, Apocalyptica comenzó como un cuarteto de violonchelistas con formación clásica que reinterpretaba canciones de Metallica. El proyecto adquirió una dimensión internacional en 1996 con Plays Metallica by Four Cellos, un álbum instrumental que llevó al metal las posibilidades expresivas del violonchelo y convirtió esa combinación en el punto de partida de una carrera propia. Dos años después, Inquisition Symphony amplió el repertorio de versiones con canciones de Sepultura y Faith No More, mientras que a partir de Cult (2000) la agrupación comenzó a concentrarse cada vez más en composiciones originales.

Con el paso de los años, Apocalyptica transformó aquella idea inicial en una propuesta de metal sinfónico y progresivo en la que los instrumentos de cuerda ocupan el lugar central. Su discografía incluye trabajos como Reflections (2003), Worlds Collide (2007), 7th Symphony (2010), Shadowmaker (2015) y Cell-0 (2020), además de colaboraciones con músicos como Till Lindemann de Rammstein, Corey Taylor de Slipknot, Dave Lombardo y Joe Duplantier de Gojira. En 2024 regresó a sus orígenes con Plays Metallica Vol. 2, continuación de aquel álbum que marcó su entrada al circuito internacional y que incluyó la participación de Robert Trujillo, bajista de Metallica.

Bandalos Chinos nació en 2009 en Béccar, provincia de Buenos Aires, a partir del encuentro musical de Gregorio Degano e Iñaki Colombo, quienes tocaban juntos desde la adolescencia. La agrupación desarrolló una propuesta que cruza indie pop, rock, funk y electrónica, con un especial protagonismo de los sintetizadores. Después de su primer álbum, Bandalos Chinos (2012), y del EP Nunca Estuve Acá (2014), la banda encontró una nueva dimensión sonora con BACH (2018), producido junto a Adán Jodorowsky y nominado al Latin Grammy como Mejor Álbum de Música Alternativa.

La trilogía que completaron Paranoia Pop (2020) y El Big Blue (2022) consolidó su expansión fuera de Argentina, con presentaciones en distintos países de Latinoamérica, España y Estados Unidos. En 2025 publicaron Vándalos, producido por Fermín Ugarte, un álbum que amplió su recorrido dentro del pop contemporáneo. La trayectoria internacional de la agrupación también se refleja en sus tres Premios Gardel y dos nominaciones al Latin Grammy, además de conciertos con localidades agotadas en escenarios como el Luna Park de Buenos Aires y el Teatro Metropólitan de Ciudad de México.

Between the Buried and Me se formó en 2000 en Raleigh, Carolina del Norte, y comenzó su trayectoria vinculada al death metal antes de desarrollar una propuesta mucho más amplia, en la que confluyen metal progresivo, metalcore, death metal técnico y elementos de math metal. Esa vocación experimental se hizo evidente desde trabajos como The Silent Circus (2003), pero alcanzó una de sus expresiones más reconocidas con Colors (2007), un álbum de aproximadamente 65 minutos concebido como una pieza continua y que se convirtió en un referente de su evolución hacia el metal progresivo.

A lo largo de su carrera, la banda ha construido una discografía marcada por cambios de ritmo, estructuras complejas y contrastes entre pasajes extremos y momentos melódicos. The Parallax II: Future Sequence (2012), Coma Ecliptic (2015) y Colors II (2021) continuaron esa exploración, mientras que su actividad reciente mantiene al grupo vinculado a la escena internacional del metal progresivo. Su propuesta se distingue precisamente por no limitarse a un solo subgénero del metal y por integrar en una misma composición recursos provenientes de distintas tradiciones de la música pesada.

Burning Witches nació en Brugg, Suiza, en 2015, como una banda de heavy y power metal. Desde sus primeros años construyó su sonido alrededor de referencias al heavy metal clásico de los años ochenta, con guitarras de gran protagonismo, solos, baterías rápidas y voces que alternan melodía y registros más agresivos. Su primera etapa estuvo marcada por un demo de tres canciones publicado en 2016 y por sus primeros álbumes, mientras que en 2019 la vocalista neerlandesa Laura Guldemond se incorporó a la agrupación.

Con discos como Hexenhammer (2018), Dance With the Devil (2020), The Witch of the North (2021) y The Dark Tower (2023), Burning Witches amplió su presencia dentro del circuito internacional del metal. The Dark Tower, su quinto álbum de estudio y debut con Napalm Records, reunió 15 canciones inspiradas en el heavy metal clásico y contó con una producción orientada a resaltar el trabajo de las guitarras y la potencia vocal de Guldemond. La agrupación ha llevado esta propuesta a escenarios y festivales europeos y a giras internacionales, consolidándose como una de las bandas suizas de heavy metal con mayor circulación fuera de su país.

Claudio Narea fue guitarrista, compositor y una de las figuras fundamentales de Los Prisioneros, banda que formó junto a Jorge González y Miguel Tapia. Los tres se conocieron en 1979 en el Liceo 6 de San Miguel y comenzaron a desarrollar su proyecto musical durante los últimos años de la dictadura chilena. Narea permaneció en Los Prisioneros durante su primera etapa, entre 1983 y 1990, y regresó para la reunión de la agrupación entre 2001 y 2003. Su trabajo con la banda quedó registrado en cuatro discos y contribuyó a una propuesta que convirtió el rock en español en un vehículo para abordar la vida cotidiana y el contexto social chileno.

Después de su primera salida de Los Prisioneros, Narea formó Profetas y Frenéticos y desarrolló posteriormente una carrera como solista, productor y divulgador musical. También fue presidente de la Asociación de Trabajadores del Rock durante los años noventa, organización que buscaba ampliar los espacios para el rock chileno. En 2014 publicó Biografía de una amistad, libro en el que reconstruyó, desde su propia perspectiva, la historia de los tres integrantes de Los Prisioneros y las distintas etapas de la banda. Su trayectoria permite conectar directamente una de las historias centrales del rock chileno con el desarrollo posterior de la música independiente y de autor en ese país.

Darkest Hour se formó en Washington D. C. en 1995 y surgió de la confluencia entre el hardcore, el punk y distintas vertientes del metal extremo. La banda desarrolló un sonido basado en la velocidad del thrash y el death metal, combinada con estructuras melódicas y la energía del hardcore. Su primer álbum, The Mark of the Judas, apareció en 2000 y abrió una trayectoria discográfica que continuó con So Sedated, So Secure (2001) y Hidden Hands of a Sadist Nation (2003), trabajos que ayudaron a situarla dentro de la escena metalcore estadounidense.

El grupo alcanzó una mayor visibilidad con Undoing Ruin (2005) y Deliver Us (2007), este último acompañado por una importante circulación en Estados Unidos. Deliver Us y The Eternal Return (2009) llegaron al primer lugar de la lista Billboard Heatseekers, mientras que Godless Prophets & the Migrant Flora (2017) continuó su exploración de un metal cada vez más elaborado. En 2024 publicaron Perpetual Terminal, su décimo álbum de larga duración, reafirmando una carrera de casi tres décadas vinculada al desarrollo del metalcore

Desde 1988, Darkness ha construido una trayectoria de más de tres décadas que la ha consolidado como una de las bandas fundamentales del metal colombiano y como un referente de la historia del rock nacional. Su recorrido discográfico reúne obras consideradas clásicos del metal latinoamericano y da cuenta de una carrera sostenida dentro de la escena pesada del país.

La banda ha participado en importantes escenarios y compartido tarima con algunas de las agrupaciones más influyentes del rock y el metal mundial. Fue parte de la primera edición de Rock al Parque, en 1995, y regresó al festival en 1996, 1997, 1998, 2009, 2011 y 2017. También participó en el primer concierto de Metallica en Colombia, en 1999; compartió escenario con Destruction en 2016, Gojira y Mastodon en 2023, y Judas Priest, Europe y Opeth en el Monsters of Rock 2025. Ese mismo año celebró 35 años de trayectoria con el Tortazo Metal y agotó la reedición en vinilo de su EP Espías Malignos.

Desorden Público se formó en Caracas en 1985, alrededor de Horacio Blanco y José Luis Chacín, y comenzó a desarrollar una propuesta que llevó el ska al contexto urbano venezolano. Su música incorporó reggae, rock, punk y elementos de la tradición caribeña, mientras sus letras abordaron asuntos sociales y políticos de la realidad venezolana. El primer álbum, Desorden Público, apareció en 1988 bajo el sello CBS y fue seguido por En descomposición (1990) y Canto popular de la vida y muerte (1994), trabajos que establecieron las bases de una trayectoria que ya supera las cuatro décadas.

Durante los años noventa, canciones como “Canto popular de la vida y muerte” y “Políticos paralíticos” consolidaron una escritura que utilizaba el ska como vehículo para observar la sociedad y la política desde Venezuela. La discografía continuó con Plomo revienta (1997), Diablo (2000), Los contrarios (2011) y Bailando sobre las ruinas (2016), además de colaboraciones como Pa' Fuera (2016), realizado junto al ensamble venezolano C4 Trío. La banda ha mantenido una actividad internacional constante y su repertorio forma parte del circuito latinoamericano del ska, con presentaciones en distintos países de América y Europa.

División Minúscula se formó en 1996 en Matamoros, Tamaulipas, alrededor de los hermanos Javier y Kiko Blake y un grupo de músicos de su entorno. Sus primeros años estuvieron marcados por el punk rock y el hardcore melódico, sonidos que encontraron una expresión definida en Extrañando Casa, su álbum debut de 2001. El disco, publicado con Sones del Mexside y distribuido en colaboración con Universal Music México, llevó canciones de la banda desde los circuitos independientes hacia una audiencia más amplia y se convirtió en uno de los trabajos asociados al desarrollo del punk melódico mexicano de comienzos de los años 2000.

La evolución de la banda se hizo evidente con Defecto Perfecto (2006), trabajo en el que amplió su sonido hacia el rock alternativo y la balada rock, con canciones como “Sognare” y “Sismo”. Dos años después llegó Sirenas, un álbum de 11 canciones en el que el grupo profundizó ese proceso de transformación y asumió directamente parte de la producción. A lo largo de su carrera, División Minúscula pasó de las raíces punk de sus primeros trabajos a una propuesta de rock en español más amplia, sin abandonar el vínculo con la escena independiente que marcó sus comienzos.

Desde 2011, Doris Vespa, conocida como “El Original Crew”, desarrolla una propuesta que reivindica los sonidos del Caribe y los combina con géneros como dancehall, reggae, soukous, zouk y champeta. La agrupación barranquillera ha construido una identidad musical vinculada a las sonoridades del Caribe colombiano y a una búsqueda que conecta diferentes ritmos de la región.

A lo largo de su trayectoria ha realizado más de 200 presentaciones y ha compartido escenario con artistas como Damian Marley, Matisyahu, Cultura Profética, Rawayana, Los Amigos Invisibles y Aterciopelados. Su recorrido incluye escenarios y festivales en Barranquilla, Bogotá, Cartagena, Santa Marta y Medellín, además de presentaciones internacionales en Madrid y Barcelona. Entre estos espacios se encuentran Rock al Parque 2023, BOmm – Bogotá Music Market, Sofar Sounds Madrid y La Vila de Sants en Barcelona.

Editors nació en Birmingham a comienzos de los años 2000, inicialmente bajo el nombre Snowfield, y estuvo integrado en sus primeros años por Tom Smith, Chris Urbanowicz, Russell Leetch y Ed Lay. Su primer álbum, The Back Room (2005), los situó dentro de la ola de revival post-punk que atravesó la escena británica de la época, con un sonido basado en guitarras angulares, bajos marcados y la voz grave de Smith. El disco alcanzó el número dos en las listas británicas y abrió una trayectoria internacional que llevó a la banda a grandes escenarios europeos.

A partir de In This Light and on This Evening (2009), Editors incorporó con mayor fuerza sintetizadores y elementos electrónicos, una transformación que continuó en In Dream (2015), Violence (2018) y EBM (2022). Esta evolución permitió que la banda pasara de su identificación inicial con el post-punk revival a una propuesta que combina rock alternativo, electrónica y new wave. En 2026, Editors mantiene esa exploración con Surface, Echo & Sound, anunciado para septiembre de este año, un nuevo capítulo en una trayectoria que ya supera las dos décadas.

El Em3 es una agrupación chilena que comenzó su recorrido en 2023 y desarrolla una propuesta que combina teatralidad, punk, psicodelia y elementos de estética retrofuturista. Sus canciones transitan entre la ironía, la rabia y una mirada sobre las experiencias de su generación. El proyecto consolidó sus primeros pasos con el EP Cerros de Cemento y con presentaciones en escenarios de Concepción.

En su trayectoria reciente ha participado en el Festival REC y el Festival Rockódromo, además de presentarse en el Teatro Biobío. También realizó su primera presentación internacional en Perú. Actualmente presenta su primer álbum de larga duración, construido alrededor del concepto Pixel Punk, con el que amplía una propuesta sonora y visual que combina referencias del punk, la psicodelia y una estética inspirada en imaginarios tecnológicos.

End It se formó en Baltimore, Maryland, en 2017 y rápidamente se vinculó con la tradición hardcore de la ciudad. Ese mismo año publicó su EP homónimo, construido alrededor de un sonido crudo y directo que recupera elementos del hardcore de los años noventa. La banda encontró una referencia importante en grupos de la escena local como Trapped Under Ice y en agrupaciones de Nueva York y la costa este estadounidense, mientras sus letras se acercaron a asuntos relacionados con la vida urbana, la desigualdad y las tensiones sociales.

Su crecimiento se aceleró con One Way Track (2020) y Unpleasant Living (2022), ambos publicados por Flatspot Records. Este último consolidó la presencia de End It dentro del hardcore contemporáneo y abrió una etapa de giras por Norteamérica y Europa junto a bandas como No Warning, Terror, Cold World, Drain, Speed y Scowl. En 2025 apareció Wrong Side of Heaven, su primer álbum de larga duración, en el que el grupo amplió sus referencias hacia el thrash y el soul sin abandonar la estructura directa del hardcore. El disco reúne 15 canciones y plantea temas como el cambio social, el crecimiento personal y la relación entre ética e identidad dentro de la cultura hardcore.

Es cantante, compositor y músico colombiano con una trayectoria consolidada en la escena latinoamericana. Su propuesta, que combina pop, música electrónica y otros lenguajes contemporáneos, le ha permitido superar los 200 millones de reproducciones en plataformas de streaming y obtener dos nominaciones a los Latin Grammy. Ha llevado su música a escenarios de América Latina, Estados Unidos y Europa, con participaciones en festivales como Vive Latino, Lollapalooza Chile y Estéreo Picnic. En 2021 fue incluido en la portada de la edición Global Pride de Rolling Stone, junto a figuras como Elton John y Freddie Mercury, y ha colaborado con artistas como Los Ángeles Azules, Carla Morrison, Natalia Lafourcade, Mon Laferte, Miranda! y Villano Antillano.

En 2024 presentó Secretos, su quinto álbum de estudio, en el que incorporó elementos del dance y la música electrónica. El lanzamiento incluyó canciones como “Reina Leona”, “Cartagena” y “Noches de Verano”, esta última junto a Villano Antillano, y estuvo acompañado por una gira por Sudamérica, Centroamérica, el Caribe, México y España. En 2025 se unió con la cantante argentina Daniela Spalla para crear Amorío, un álbum concebido como un proyecto a dúo que aborda el desamor, las relaciones y el romance desde una perspectiva teatral. El trabajo incluye canciones como “Bar de Corazones Rotos”, “Amantes” y “El Acuerdo”, y fue presentado en escenarios como el Palacio de los Deportes de Ciudad de México.

Ghetto Kumbé ha construido una propuesta afrofuturista que combina música, identidad y baile, y que le ha permitido llegar a escenarios nacionales e internacionales. Su sonido parte de ritmos y cantos de raíz africana para construir paisajes sonoros en los que conviven voces profundas, percusión y elementos electrónicos. La agrupación plantea la música como un espacio para el encuentro y el movimiento.

En 2020 publicó GHETTO KUMBÉ, álbum coproducido con el productor inglés The Busy Twist. El disco está inspirado en distintos movimientos sociales surgidos en los últimos años y en la realidad social colombiana. A través de una propuesta descrita por la agrupación como visceral, comprometida y rebelde, Ghetto Kumbé construye canciones que buscan motivar, elevar e inspirar, combinando elementos contemporáneos con referencias a cantos ancestrales.

Gondwana nació en 1987 en La Pincoya, Santiago de Chile, por iniciativa del bajista I-Locks Labbé, quien había descubierto el reggae a partir de influencias como The Police. Durante sus primeros años la agrupación se movió en circuitos pequeños y alternó diferentes formaciones y vocalistas, hasta que en los años noventa comenzó una etapa de profesionalización. Su primer álbum oficial, Gondwana, llegó en 1997 con BMG y tuvo una amplia difusión en Chile gracias a canciones como “Armonía de amor”, “Chainga Langa”, “Guerra” y “Sentimiento Original”.

La salida de Quique Neira en 2003 no significó el final de la agrupación, que continuó su trayectoria con diferentes vocalistas y una presencia cada vez mayor fuera de Chile. Entre sus trabajos posteriores están Crece (2004), Resiliente (2007), Revolución (2012), Reggae and Roll (2014) y Carpe Diem (2017), álbum con el que conmemoraron tres décadas de trayectoria. La circulación internacional se convirtió en una parte central de su carrera: han llevado su repertorio por América Latina, Estados Unidos y Europa, mientras canciones como “Armonía de amor” y “Sentimiento Original” permanecen entre las composiciones más reconocibles del reggae en español.

Grave se formó en 1988 en Visby, Suecia, alrededor del guitarrista y vocalista Ola Lindgren, quien ha sido el único integrante constante de la agrupación. Desde sus primeros trabajos, la banda se convirtió en uno de los nombres vinculados al desarrollo del death metal sueco, con un sonido caracterizado por guitarras de afinaciones graves, riffs densos, baterías contundentes y voces guturales. Su primer álbum, Into the Grave, fue publicado en 1991 y abrió una etapa discográfica que continuó con You'll Never See... (1992), Soulless (1994) y Hating Life (1996).

Después de una pausa iniciada a finales de los años noventa, Grave retomó su actividad y publicó Back from the Grave en 2002, seguido por trabajos como Fiendish Regression (2004), As Rapture Comes (2006), Dominion VIII (2008), Burial Ground (2010) y Endless Procession of Souls (2012). Su trayectoria está estrechamente relacionada con la tradición del death metal de Suecia y con una generación de agrupaciones que ayudó a establecer el país como uno de los centros internacionales del metal extremo.

Hellbutcher es una banda sueca de metal formada alrededor del vocalista Per “Hellbutcher” Gustavsson, conocido por su trabajo como integrante fundador de Nifelheim. El proyecto surgió después de la última presentación de Nifelheim a finales de 2022 y realizó su debut en vivo en 2023. La formación reunió a músicos vinculados con agrupaciones como Unleashed, Bloodbath, Aeternus y Opeth, y construyó una propuesta basada en el heavy, speed, thrash y black metal de la vieja escuela.

El álbum debut, Hellbutcher, fue publicado el 31 de mayo de 2024 por Metal Blade Records y contiene ocho canciones, entre ellas “The Sword of Wrath”, “Perdition”, “Death's Rider” e “Inferno's Rage”. El disco retoma influencias del metal extremo de los años ochenta y combina riffs veloces, solos de guitarra, estructuras de heavy metal y voces propias del black metal. La banda ha continuado desarrollando este proyecto con una formación integrada por Hellbutcher, Necrophiliac, Iron Beast, Eld y Devastator, y en 2025 sumó Alcoholic Ritual in Hell a su discografía.

I.R.A. es una de las agrupaciones fundamentales de la historia del punk colombiano. Nació en Medellín en 1985, inicialmente bajo el nombre de S.I.D.A. (Sucios y Desordenados Anarquistas), y un año después adoptó el nombre I.R.A., asociado a Ideas de Revolución Adolescente. Liderada por David Viola, la banda surgió en una ciudad atravesada por la violencia y encontró en el punk una forma de expresar inconformidad y abordar en sus canciones las realidades sociales del país. Su trayectoria incluye producciones como Impotable Diversión (1993), Décadas de Libertad (2005), I.R.A. Pura (2014), Botas de Hierro (2017) e I.R.A. Disfónico (2021), además de presentaciones internacionales, entre ellas un concierto en el mítico CBGB de Nueva York en 2004.

Con cuatro décadas de actividad, I.R.A. se mantiene como una referencia del punk de Medellín y de la escena independiente colombiana. La agrupación ha construido su trayectoria a partir de la autogestión y de una propuesta lírica marcada por la crítica social, mientras su música ha circulado en Colombia y otros países de América. Su relación con Rock al Parque se remonta a 2005 y participaciones posteriores en 2007, 2009, 2017 y 2022.

INFO es una agrupación de metal industrial originaria de Bogotá que ha desarrollado una propuesta vinculada a la exploración de los sonidos industriales dentro de la escena rock colombiana. A lo largo de su trayectoria ha buscado ampliar los límites del género y conectar su música con nuevas audiencias, reivindicando la posibilidad de construir desde Colombia una propuesta propia dentro del metal industrial.

Su sonido recoge influencias de agrupaciones como Ministry, Rammstein, Rob Zombie, Pain y Die Krupps. Sobre esa base, INFO combina potencia sonora, una estética definida y un discurso que parte de la convicción de que la escena colombiana puede desarrollar propuestas de carácter vanguardista sin perder de vista sus raíces. La banda también plantea la necesidad de una escena unida y en permanente evolución.

Kill The Clowns es un proyecto mexicano de música electrónica encabezado por un DJ y productor que ha desarrollado una propuesta asociada al dubstep y a los sonidos de alto impacto de la escena electrónica. Su trayectoria incluye presentaciones en festivales como Electric Daisy Carnival, Medusa Festival y Miami Music Week, además de actuaciones en distintos escenarios de América Latina, Norteamérica, Europa y Asia. También ha compartido cartel con artistas como Steve Aoki, David Guetta, Dimitri Vegas & Like Mike, Marshmello, Virtual Riot y Zomboy.

En 2026, Kill The Clowns amplió su discografía con LOST FILES, un EP de cinco canciones publicado en julio, que reúne los temas “BEERS”, “NOTHING”, “CYCLES”, “BREAK” y “BODY”. El proyecto también ha construido una presencia particular en redes sociales a través de sus presentaciones y del personaje visual que acompaña su propuesta. Su llegada a Rock al Parque conecta la programación del festival con una vertiente de la música electrónica que dialoga con el dubstep, los bajos contundentes y la cultura de los grandes festivales de música electrónica.

Las Fokin Biches se formó en Irapuato, Guanajuato, a finales de la década de 2000, y desde sus comienzos construyó una propuesta alrededor del punk y el rockabilly, con una estética que la propia banda denomina “rockabichy”. En 2012, La Jornada registró al grupo como un cuarteto integrado por músicas de Irapuato y destacó una propuesta que combinaba sonidos vintage, guitarras, saxofón y letras cargadas de humor ácido. Ese mismo año apareció Relatos siniestros sólo para dementes, su primer álbum de larga duración, después de que la agrupación ganara el concurso “La música es mi arma, los trazos de mi movimiento”, organizado por el Circo Volador.

La banda ha construido parte de su identidad alrededor de letras que cuestionan el machismo, la violencia contra las mujeres y otras formas de desigualdad, articulando música y activismo dentro de la escena punk mexicana. Su catálogo incluye canciones como “Alza la voz”, “Somos”, “Magia Negra”, “Puerkos”, “Para un muerto” y “Perras”; esta última hace parte de su producción más reciente y apareció en 2024. La agrupación también ha ampliado su circulación fuera de México: su información oficial registra presentaciones internacionales y fechas en Europa y Sudamérica, mientras su participación en circuitos como el Rebellion Festival del Reino Unido forma parte de esa expansión.

Los Bunkers se formaron en Concepción a fines de los años noventa y construyeron una propuesta que conectó el rock de guitarras de tradición británica con elementos de la música popular chilena. Su primer álbum, Los Bunkers (2001), abrió una discografía que continuó con Canción de lejos (2002), La culpa (2003), Vida de perros (2005), Barrio Estación (2008), Música libre (2010) y La velocidad de la luz (2013). En sus primeros años también incorporaron referencias de la Nueva Canción Chilena y grabaron versiones de composiciones de Violeta Parra y Silvio Rodríguez. Canciones como “Miño”, inspirada en la historia del trabajador Eduardo Miño, y “La exiliada del sur” muestran ese diálogo entre rock, memoria y tradición musical chilena.

Después de anunciar un receso indefinido en 2014, la banda retomó su actividad en 2022 con sus integrantes históricos y en 2023 publicó Noviembre, su primer álbum de estudio después de una década. Su regreso incluyó conciertos multitudinarios en Chile y una nueva etapa internacional. La trayectoria del grupo también está marcada por su vínculo con México: en 2008 sus integrantes se radicaron en Ciudad de México, donde desarrollaron una extensa actividad de conciertos y promoción. Su repertorio combina canciones de fuerte circulación popular con una búsqueda permanente por incorporar elementos de distintas tradiciones del rock y la música latinoamericana.

En 1999, Los Elefantes reunieron los recursos necesarios para grabar Las Perolas de Motas, su primer disco. La producción, realizada de manera casera y con una propuesta directa, conectó con la cultura popular de la época y terminó convirtiéndose en un referente del sonido alternativo bogotano. A partir de ese momento comenzó una trayectoria marcada por conciertos, festivales, videoclips, premios, discos, colaboraciones, pausas y giras.

Durante tres décadas, la agrupación ha desarrollado su carrera de manera independiente y ha construido una relación sostenida con sus seguidores en Colombia y otros países de la región. Actualmente Los Elefantes regresan con un nuevo disco en proceso de producción, varios videoclips autoproducidos y proyectos que incluyen el trabajo con una Big Band y la exploración de sonidos antillanos llevados a su propio lenguaje musical. La formación conserva a integrantes de la nómina original y suma nuevos músicos y miembros del equipo de trabajo.

Los Setas se formaron en 2023 en Pasto, Nariño, como una agrupación de punk rock que canaliza, a través de sus canciones, una mirada crítica sobre la realidad y el orden establecido. Sus integrantes describen el proyecto como una respuesta a una sensación de inconformidad colectiva y utilizan las letras para cuestionar las circunstancias sociales que los rodean. Al mismo tiempo, plantean su música como un espacio para quienes sienten que viven en un entorno marcado por el absurdo.

En sus primeros tres años de trayectoria han participado en escenarios como el Festival Altavoz de Medellín, Nariño Vive Underground, Festival Centro de Bogotá, Ibagué Ciudad Rock y Galeras Rock. En este último fueron teloneros de Los Fabulosos Cadillacs frente a 26.000 personas y participaron durante dos ediciones consecutivas. Actualmente presentan Abajo de Todo, su primer álbum de estudio, compuesto por ocho canciones que reúnen la manera en que sus integrantes observan y experimentan el mundo.

Los Tetas surgieron en Santiago de Chile en 1994, cuando Cristián Moraga —C-Funk—, David Eidelstein —Rulo—, Camilo Castaldi —Tea-Time— y Francisco González —Pepino— comenzaron a trabajar una propuesta basada principalmente en el funk de los años setenta. A ese punto de partida sumaron hip hop, soul, rock, R&B y otros géneros urbanos. Su debut, Mama Funk (1995), incluyó canciones como “Corazón de Sandía” y “Hormigas Blancas”, y rápidamente amplió la circulación de la banda fuera de Chile. Al año siguiente comenzaron a presentarse en otros países de Latinoamérica y participaron en escenarios como Rock al Parque en Bogotá.

El segundo álbum, La Medicina (1998), profundizó la mezcla de funk, rap y rock que había definido sus primeros trabajos y consolidó su presencia en la escena latinoamericana. Posteriormente publicaron Independiente (2000) y Tómala! (2002). Después de una primera separación en 2004, la banda se reunió en 2011 y posteriormente volvió a los escenarios con C-Funk y Rulo como núcleo de la formación. Su historia está vinculada a una etapa fundamental para la expansión del funk y el hip hop en el rock chileno de los años noventa y dos mil.

Es una agrupación colombiana de rock alternativo nacida en Ibagué, Tolima, en 2020. Su propuesta explora diferentes vertientes del rock y las combina con elementos de indie, synthwave, dream pop, indie pop y música electrónica. El resultado parte de una estética contemporánea que dialoga con sonidos del pasado y se caracteriza por atmósferas nostálgicas, momentos de intensidad y letras introspectivas sobre emociones, experiencias cotidianas, relaciones humanas, incertidumbres y procesos personales.

Desde sus primeros trabajos, la agrupación ha buscado transformar experiencias individuales en canciones en las que el público pueda reconocerse. Su propuesta combina esa dimensión emocional con una puesta en escena enérgica y una exploración permanente de nuevas texturas y recursos de producción. MEDVED ha participado en circuitos y escenarios de Ibagué, Bogotá, Medellín, Bucaramanga, Popayán, Duitama, Manizales y Pereira.

Ministry fue creado por Al Jourgensen en Chicago a comienzos de los años ochenta y atravesó una transformación decisiva durante su primera década: pasó de la electrónica y el synth-pop de With Sympathy (1983) a un sonido industrial mucho más agresivo con Twitch (1986) y The Land of Rape and Honey (1988). Esa evolución continuó con The Mind Is a Terrible Thing to Taste (1989), hasta llegar a Psalm 69: The Way to Succeed and the Way to Suck Eggs (1992), álbum que incorporó con mayor intensidad guitarras, programación electrónica y estructuras cercanas al metal.

“Jesus Built My Hotrod”, “N.W.O.” y “Just One Fix” se convirtieron en piezas centrales de la discografía del grupo, mientras Psalm 69 alcanzó el puesto 27 del Billboard 200 y obtuvo certificación de oro y platino de la RIAA. La canción “N.W.O.” recibió además una nominación al Grammy de 1992 en la categoría de Mejor Interpretación de Metal. A lo largo de 17 álbumes de estudio, Ministry mantuvo una relación directa entre música industrial, rock pesado y comentarios sobre asuntos políticos y sociales. En 2026, Jourgensen anunció el cierre de la trayectoria discográfica del proyecto con Hate To Go (Take Out Or Delivery), previsto para octubre.

Mon Laferte nació en Viña del Mar, Chile, y comenzó su carrera musical desde muy joven. Después de una primera etapa profesional en Chile, se trasladó a México en 2007, país en el que desarrolló buena parte de su carrera artística. Su trayectoria discográfica tomó un nuevo rumbo con Desechable (2011), seguido por Tornasol (2013), álbumes en los que empezó a ampliar su lenguaje hacia el rock, el pop, el reggae y la electrónica. Con Mon Laferte (Vol. 1) (2015) alcanzó una amplia circulación internacional y consolidó una propuesta que combina composición de canción, sonidos latinoamericanos, rock, bolero y música popular.

Su trabajo posterior ha continuado esa exploración de géneros y tradiciones. Norma (2018), Seis (2021), 1940 Carmen (2021) y Autopoiética (2023) muestran diferentes etapas de esa búsqueda, mientras su actividad como compositora y artista visual ha ampliado el alcance de su obra. La Academia de la Grabación registra tres nominaciones de Mon Laferte a los Grammy estadounidenses: por Seis, 1940 Carmen y Autopoiética. En 2026 también aparece entre las nominadas a los Latin Grammy por Femme Fatale, en categorías como Álbum del Año y Grabación del Año.

Nadie es una agrupación de punk y rock colombiana formada en Medellín en 1994, cuando sus integrantes comenzaron a ensayar durante su etapa escolar. A lo largo de tres décadas, la banda ha construido una propuesta marcada por la energía del punk, letras de carácter crítico y una búsqueda constante de evolución sonora. Su trayectoria discográfica incluye cinco álbumes de estudio y canciones como “Emilio dice”, “Me sabe a sangre el corazón” y “Lo que no se olvida”, que hacen parte de un repertorio con el que ha conectado con distintas generaciones de seguidores del rock colombiano.

La relación de Nadie con Rock al Parque se remonta a 2009 y ha tenido participaciones posteriores, entre ellas la edición de 2018.

Se creó en 2002 como un colectivo interesado en la música como herramienta para el desarrollo humano y la transformación cultural y social. Desde entonces ha participado en diferentes iniciativas que utilizan el arte y la producción musical para trabajar con comunidades y abordar asuntos relacionados con la convivencia, el respeto por la diferencia y la participación de los jóvenes.

Entre sus experiencias se encuentra la participación en la campaña de la Secretaría de Educación de Bogotá “Vive el colegio a lo Bien”, desarrollada en 2009, y en iniciativas ambientales relacionadas con la protección del agua y los recursos naturales a partir de talleres y conciertos alrededor del disco ECCO. También participó en el proyecto “Saberes y poderes Juveniles”, que utilizó la producción musical como herramienta para recoger las inquietudes de jóvenes de distintas localidades de Bogotá frente a problemáticas sociales.

Nicolai Fella es un artista bogotano cuya relación con la música parte de un interés anterior por las palabras y la construcción de ideas, imágenes y conceptos. Comenzó su recorrido en el rap y posteriormente amplió su búsqueda hacia otros lenguajes musicales. Se define como un “volante de creación”, una idea que resume una trayectoria que no se ha limitado a un solo género.

Es la voz y uno de los principales motores creativos de LosPetitFellas, proyecto con el que ha desarrollado durante más de una década una propuesta que dialoga con el rock, el jazz, el funk y el soul. Su escritura encuentra inspiración en la ciudad, el cine, el fútbol, la literatura y el barrio. Paralelamente, ha desarrollado una obra solista en la que explora la memoria, el fútbol, la salsa y la vida cotidiana. EPA, Estado Popular del Alma reúne parte de esa búsqueda y está atravesado por el homenaje a su padre y por la necesidad de encontrar nuevas maneras de contar

Pornomotora es una agrupación colombiana de rock, punk e industrial vinculada a la escena underground de Bogotá. La banda ha sido nominada a los Premios MTV Latinoamérica en las categorías de Mejor Nuevo Artista y Mejor Artista Independiente y cuenta con ocho participaciones en Rock al Parque, además de presencia en diferentes festivales de Colombia.

Su propuesta se caracteriza por un sonido que recoge la crudeza y las tensiones de una ciudad como Bogotá. La propia agrupación se define como “hija de Rock al Parque”, una relación que hace parte de su historia dentro de la escena local. Con presentaciones internacionales en Estados Unidos, Venezuela, Argentina y México, actualmente prepara su primera gira por Europa, prevista para 2027.

Porter se formó en Guadalajara, Jalisco, en 2004 y rápidamente se convirtió en uno de los proyectos asociados al desarrollo del rock alternativo mexicano de comienzos del siglo XXI. Su primer EP, Donde los ponys pastan (2005), presentó canciones como “Espiral” y “Daphne”, caracterizadas por una combinación de rock alternativo, electrónica, experimentación y una escritura de carácter imaginativo. En 2007 publicaron Atemahawke, su primer álbum de larga duración, con canciones como “Host of a Ghost” y “Vaquero Galáctico”. La etapa inicial de Porter tuvo como vocalista a Juan Son, quien permaneció hasta 2013.

Después de una separación que comenzó en 2008, Porter anunció su regreso en 2012 y en 2013 presentó al cantante David Velasco como nuevo vocalista. Moctezuma (2014) marcó una nueva etapa, con una exploración de imaginarios vinculados con la historia y las culturas prehispánicas de México. Posteriormente llegaron Las batallas del tiempo (2019) y La historia sin fin (2022), trabajos que continuaron ampliando el lenguaje sonoro de la banda. Su propuesta se ha mantenido vinculada a la escena independiente y alternativa mexicana, combinando rock, electrónica, psicodelia y elementos de la música tradicional.

Rata Blanca se formó en Buenos Aires en 1985 alrededor del guitarrista Walter Giardino y se convirtió en una de las agrupaciones centrales del hard rock y el heavy metal argentino. Su primer álbum, Rata Blanca, apareció en 1988 y presentó una combinación de guitarras de heavy metal, estructuras melódicas y elementos de tradición clásica. El salto de popularidad llegó con Magos, espadas y rosas (1990), trabajo que incluyó canciones como “La leyenda del hada y el mago” y “Mujer amante” y llevó al grupo a escenarios de distintos países de América Latina.

La discografía continuó con Guerrero del arco iris (1991), Entre el cielo y el infierno (1994), Rata Blanca VII (1997), El camino del fuego (2002) y otros trabajos posteriores. La formación ha tenido numerosos cambios, pero Walter Giardino permanece como integrante original y principal figura compositiva de la banda. Su repertorio combina virtuosismo instrumental, riffs de heavy metal, pasajes de influencia neoclásica y canciones de amplia circulación en español, elementos que explican su presencia sostenida en la escena latinoamericana del rock pesado.

Ratones Paranoicos se formó en Buenos Aires y quedó establecido en 1984 con Juanse en voz y guitarra, Pablo “Sarcófago” Cano en guitarra, Pablo Memi en bajo y Rubén “Roy” Quiroga en batería. Su primer álbum apareció en 1986 y llevaba el nombre de la banda. Grabado para el sello independiente Umbral, el disco tuvo inicialmente una distribución limitada, pero canciones como “Sucia Estrella”, “Descerebrado” y “Algo Me Queda” comenzaron a construir el repertorio que definiría al grupo. Su sonido inicial estaba más próximo al punk rock neoyorquino, antes de profundizar su relación con el rock and roll y el rhythm and blues de tradición británica.

En 1988 publicaron Los chicos quieren rock, álbum que amplió su audiencia y consolidó la identidad del grupo dentro del rock argentino. A partir de allí desarrollaron una extensa discografía que incluye Furtivos (1989), Fieras lunáticas (1991), Hecho en Memphis (1993), MTV Unplugged (1998) y Electrosock (1999). La relación de Ratones Paranoicos con los Rolling Stones se convirtió en uno de los episodios más visibles de su carrera: en 1995 fueron invitados a abrir los conciertos de la banda británica durante su primera visita a Argentina, una experiencia que reforzó su circulación ante públicos masivos.

Real House of Hate (RHOH) es una banda de hardcore originaria de Medellín que comenzó su trayectoria en 2013. Su propuesta lleva el género hacia terrenos más pesados mediante una combinación de hardcore beatdown, death metal y hip hop. Sus letras parten de experiencias personales y abordan asuntos relacionados con la salud mental, con un lenguaje directo que recoge diferentes tensiones de la vida contemporánea.

La agrupación ha desarrollado una trayectoria dentro de la escena hardcore nacional e internacional y ha participado en cuatro ediciones del Festival Altavoz de Medellín. En 2024 llevó su propuesta a Brasil mediante una gira que incluyó una presentación en el Festival Hardcore de São Paulo, ampliando su circulación dentro de la escena latinoamericana del género

Serú Girán nació en 1978 como grupo integrado originalmente por Charly García, David Lebón, Pedro Aznar y Óscar Moro. En sus cinco años de actividad publicó cuatro álbumes de estudio: Serú Girán (1978), La grasa de las capitales (1979), Bicicleta (1980) y Peperina (1981). La banda desarrolló una propuesta que combinó rock progresivo, jazz, canción popular y arreglos de gran elaboración, mientras sus composiciones abordaron distintos aspectos de la vida social argentina durante los últimos años de la dictadura. Canciones como “Alicia en el país” y “Canción de Alicia en el país” quedaron asociadas a esa etapa de la historia del rock argentino

La agrupación se disolvió en 1982 pero David Lebón y Pedro Aznar se han unido para realizar conciertos en los que recuperaron parte del repertorio de Serú Girán y lo presentaron desde sus respectivas trayectorias como compositores e intérpretes. Esta nueva etapa permite escuchar composiciones fundamentales de la banda interpretadas por dos de sus integrantes originales, en un formato que conecta la memoria del grupo con el trabajo musical que ambos han desarrollado durante las décadas posteriores.

Sistema de Entretenimiento es un grupo de Barcelona que desarrolla una propuesta que denominan “arcade punk”. El proyecto combina guitarras de riffs rápidos, sintetizadores, bases electrónicas y voces de registro deliberadamente juvenil, con una estética que incorpora referencias al anime y a la cultura popular japonesa de los años ochenta. El resultado se sitúa entre el punk, el synthpunk, la electrónica y la new wave, con canciones breves y una construcción sonora orientada al impacto inmediato.

La agrupación está vinculada al circuito independiente de Fast Food Records, colectivo del que también forman parte proyectos como Sin Bragas, Leonor SS y Mazmorra. Su recorrido incluye presentaciones en espacios autogestionados y festivales como Primavera Sound y BIME. En 2024 realizaron su primera visita a Colombia y posteriormente ampliaron su circulación internacional con presentaciones en Latinoamérica. En 2026 su propuesta continúa proyectándose fuera de España, con una combinación de estética retro, electrónica y punk que define buena parte de su identidad escénica.

Stratovarius se originó en Helsinki en 1984 bajo el nombre Black Water y adoptó su denominación actual durante la primera mitad de esa década. Con la llegada de Timo Tolkki a la guitarra, la banda comenzó a desarrollar un sonido que combinaba heavy metal, velocidad y elementos neoclásicos. Su primer álbum, Fright Night, apareció en 1989, seguido por Twilight Time (1992) y Dreamspace (1994). La incorporación del vocalista Timo Kotipelto en 1994 abrió una nueva etapa que desembocaría en algunos de los discos más reconocidos de su carrera.

Fourth Dimension (1995), Episode (1996), Visions (1997), Destiny (1998) e Infinite (2000) consolidaron una fórmula basada en guitarras veloces, teclados de fuerte presencia, estructuras melódicas y elementos sinfónicos. Durante esa etapa, Jens Johansson en los teclados y Jörg Michael en batería completaron una formación considerada central en la historia del grupo. Stratovarius ha publicado 16 álbumes de estudio y su evolución ayudó a definir el desarrollo del power metal europeo. La formación actual está integrada por Timo Kotipelto, Jens Johansson, Lauri Porra, Matias Kupiainen y Rolf Pilve.

Tizishi es el nombre artístico de Tiziana, artista argentina de rap y hip hop originaria de Moreno, en el oeste del conurbano bonaerense. Comenzó a escribir canciones desde temprana edad y encontró en las redes sociales una plataforma para mostrar su trabajo: primero mediante transmisiones y posteriormente con videos en los que rapeaba junto a su hermano Ciro. En 2024, cuando tenía 24 años, Infobae registraba más de 1,4 millones de seguidores en TikTok y señalaba que el crecimiento de su audiencia le había permitido avanzar hacia una carrera musical profesional.

Su catálogo reciente muestra una producción constante entre el rap, el hip hop y las colaboraciones con otros artistas. Entre sus lanzamientos aparecen “Corazón”, “Si te vas”, “Vivir”, “Muevo los pies”, “Solución”, “La oscuridad del sol” y “Ahora”, además de colaboraciones con Ciro Mc, Klan, Cocodrilo P&B y otros artistas. En 2026 publicó el EP TIZISHI / Enganchado en vivo en La Juntada de los Artistas y continuó ampliando su repertorio con nuevos sencillos. Su participación en Rock al Parque 2026 representa la llegada al festival de una artista vinculada a una generación que ha encontrado en las plataformas digitales una vía central para producir, circular y construir audiencias alrededor del hip hop.

Tokyo Ska Paradise Orchestra se formó en Japón en 1988 y debutó discográficamente en 1989 con el álbum homónimo. A partir del ska nacido en Jamaica, el grupo desarrolló un lenguaje propio que denomina “Tokyo Ska”, incorporando rock, jazz, reggae, música latina y otros géneros a una formación instrumental dominada por metales, guitarra, bajo, teclados, percusión y batería. Desde 2001 también comenzó a trabajar con vocalistas invitados, una fórmula que permitió ampliar todavía más su repertorio y conectar con diferentes escenas musicales.

El álbum Stompin' on DOWN BEAT ALLEY (2002), realizado en una etapa de colaboraciones con artistas japoneses, llegó al primer lugar de las listas de popularidad de Japón y vendió 500.000 copias, según la información oficial de la agrupación. Su trayectoria internacional incluye presentaciones en 32 países y festivales como Glastonbury, Montreux Jazz Festival, Vive Latino y Lollapalooza Chile. En 2013 se convirtió además en el primer grupo japonés en actuar en el escenario principal de Coachella. Su lema “NO BORDER” resume una trayectoria construida a partir del intercambio entre el ska y diferentes tradiciones musicales.

Triptykon fue creado en 2008 por Tom Gabriel Fischer —Tom Gabriel Warrior— después de la disolución de Celtic Frost. El proyecto surgió inicialmente como una continuación de las ideas musicales que Fischer había desarrollado para el sucesor de Monotheist, último álbum de Celtic Frost. A él se sumó el guitarrista V. Santura, mientras la banda terminó de configurar una propuesta basada en el metal extremo, el doom, el black metal y las atmósferas oscuras que habían caracterizado parte de la trayectoria anterior de Fischer con Hellhammer y Celtic Frost.

El primer álbum, Eparistera Daimones, apareció en 2010 y fue seguido por el EP Shatter ese mismo año y por Melana Chasmata en 2014. En 2020 Triptykon publicó Requiem, una obra concebida a partir de una composición iniciada por Celtic Frost y completada décadas después. La música de la agrupación se caracteriza por estructuras pesadas, tempos lentos, guitarras densas y una dimensión atmosférica que dialoga con temas como la historia, el ocultismo, el fanatismo religioso y la desintegración humana. Su vínculo con el artista suizo H. R. Giger también se extendió a las portadas de Eparistera Daimones y Melana Chasmata.

Trotsky Vengarán nació en Montevideo a finales de 1991, formado inicialmente por Guillermo Peluffo, Hugo Díaz, Ignacio Guasch, Guillermo Perazzo y Marcelo Abreu. Desde el comienzo desarrolló un punk rock rápido y melódico, influenciado por bandas estadounidenses y británicas, con elementos de hardcore. En 1993 grabaron “Reflejo” y “Korean Boys”, incluidos en la compilación Criaturas del Pantano, y al año siguiente publicaron Salud, dinero y dinero. Ese mismo año actuaron como banda invitada de Ramones en el Palacio Peñarol ante unas 6.000 personas.

Durante los años siguientes, Trotsky Vengarán consolidó una discografía que incluye Clase B (1996), Yo no fui (1998) y Durmiendo afuera (2001), este último producido por Jaime Roos. Sus canciones combinan relatos cotidianos, personajes, relaciones personales y comentarios sociales con una estructura directa y guitarras de tradición punk. La banda también compartió escenario con artistas como Divididos y Marky Ramone y construyó una trayectoria sostenida dentro del circuito uruguayo de rock, convirtiéndose en uno de los proyectos de mayor continuidad de la escena punk de ese país.

Últimos Nietos nació en Cali durante la pandemia y construyó su propuesta alrededor de una mezcla de punk, pop, rock alternativo y, progresivamente, elementos de música electrónica y sintetizadores. La agrupación está integrada por Juliana López, Damián Cáseres, Mario Henao y Carlos Beltrán, y comenzó a llamar la atención con canciones como “Última Fiesta”. Su discografía incluye el álbum Crisis de la mediana edad (2022), el trabajo Las últimas (2023) y una serie de sencillos que desembocaron en su producción de 2026.

En abril de 2026 presentó De nuevo al final, un EP de cinco canciones grabado entre 2023 y 2025. El trabajo profundiza en asuntos relacionados con la rutina, la adultez, el trabajo y la sensación de avanzar en medio de una vida cotidiana que muchas veces parece repetirse. Su propuesta combina la energía del punk y el indie rock con sintetizadores y pasajes de pop, y ha sido presentada como un retrato de la experiencia de jóvenes adultos que alternan la creación artística con otros trabajos para sostenerse. En su recorrido reciente, Últimos Nietos ha pasado por escenarios de Cali, Bogotá, Medellín y Sevilla, además de participar en el circuito de música alternativa de su ciudad.

Wañukta Tonic es una agrupación ecuatoriana que combina sonoridades andinas, rock alternativo y ritmos latinoamericanos. Su propuesta se desarrolla dentro de la escena independiente de Ecuador y busca establecer un diálogo entre diferentes tradiciones musicales y lenguajes contemporáneos, construyendo una identidad propia a partir de esa mezcla.

Su participación en Rock al Parque 2026 representa una nueva instancia de circulación para la agrupación y le permitirá presentar su música ante el público de uno de los principales festivales de rock de Latinoamérica. El documento destaca esta participación como un momento relevante dentro de su recorrido y como una oportunidad para llevar al festival su propuesta de fusión entre sonidos andinos, rock y ritmos latinoamericanos.

Zalama Crew es una agrupación caleña de hip hop y reggae alternativo formada en 2008 como un proyecto que articula música, creación artística y trabajo comunitario. Su propuesta reúne hip hop, reggae, drum and bass, soul, ritmos afrocolombianos, jazz, salsa y electrónica, una combinación que refleja la diversidad musical de Cali y la procedencia de sus integrantes, vinculados a diferentes sectores y escenas de la ciudad. El nombre Zalama hace referencia a la idea de tribu y hermandad, un concepto que atraviesa tanto su música como su trabajo colectivo.

La agrupación ha llevado esa mezcla de sonidos a escenarios nacionales e internacionales y ha desarrollado proyectos de circulación y trabajo con comunidades. En 2011 realizó una gira con Manu Chao y posteriormente tuvo una residencia artística con Sergent García. También ha impulsado iniciativas como “Escucha y rota”, mediante las cuales llevó talleres, actividades deportivas y conciertos a barrios de Cali. Sus canciones parten de experiencias urbanas y cotidianas y combinan mensajes sociales con una propuesta concebida para el baile. En Rock al Parque 2026, Zalama Crew llevará al escenario esa mezcla de hip hop, reggae y músicas afrocolombianas que ha caracterizado su recorrido.